東京現音計画 Silver Mountain Opening Concert

予定がぽっかり空いて、急遽伺うことにした。サクソフォン的興味はもちろんだが、テューバ奏者の橋本氏の演奏に興味があったこともその理由の一つ。ふだんコンサートに行くとなると「前売り予約して平日なら仕事調整して曲の予習して云々」という癖がついてしまっているのだが、シルバーマウンテンオープニングコンサートは（前売りが売り切れていない限り）こうやってフラッと聴きに行けるのが嬉しい。

【東京現音計画 Silver Mountain Opening Concert】
出演：有馬純寿（electo.）、大石将紀（sax.）、橋本晋哉（tub.）
日時：2013年12月16日（月曜）18:30開演
会場：シルバーマウンテンB1F
プログラム：
ブルーノ・マデルナ「ディアローディーア」
ルイジ・ノーノ「後-前-奏曲第一番"ドナウのための"」
有馬純寿「うつしのエチュードI」
松平頼暁「サクソフォンのためのジェスタフォニー」
エルネスト・H・パピエ「急ぎ仕事」
スティーヴ・ライヒ「ニューヨーク・カウンターポイント」
杉山洋一「ファンファーレ」
川上統「羅鱶」（委嘱初演）

ライヒ以外はすべて初めて聴く作品。最初から最後までとても興味深く聴いた/観た。各曲の様子を簡単に述べていこう。

マデルナは、大石氏（Bsax）と橋本氏のデュオ。不協和音を並べつつも、時折現れる協和音の響きは、実に"甘く"感じる！しかし、こうして並べて聴くといかにサクソフォンがイロモノであるかが、良く解る。それに比べてテューバの響きの、なんとシンプルかつプリミティブなことか。人間が太古の昔から鳴り続けているような、そんな印象すら受ける。響きや音色を完全にコントロールしたいと思う作曲家にとっては、やはりサクソフォンという楽器はとても扱いづらいものなのかなとも感じた。

ノーノはテューバソロとエレクトロニクス。シンプルな響きがコンピュータ処理によって幾重にも折り重なり、やがて聴いたことのないような響きが立ち上がる。とても穏やかな盛り上がりを何度か経て幕。テューバパートは、シンプルな音素材を求められるこそ難しいと思うのだが、さすが橋本氏、楽器を完全にコントロールしていた。有馬氏の作品は、エレクトロニクスのソロ。特に説明もプログラム冊子もないので、タイトル「うつし」の意味するところはわからなかった。きらめくような響き、時折挟み込まれるミュージック・コンクレートが美しい。

松平作品は、サクソフォンソロ。シアターピースといった趣。ソプラニーノからバリトンまで、5本のサクソフォンを操りながら、また、時間感覚（やっぱり日本人の作品は断絶部分の取り扱いが楽しい。それでこそだ）をもステージングに取り入れて、まるでサクソフォンを使った日本の伝統芸能の舞台を鑑賞する感覚。ふしぎ。いったいどこからどこまでが楽譜に書かれているのか、それともある部分は即興なのか、楽譜を眺めたいくらいだ。大石さんのこういったシアターピース作品に対する適応能力の高さはYAMATONATTO時代の動画から拝見しているが、相変わらずの素晴らしいステージだった。コミカルなのだけれどシリアスで、西洋なのだけれど東洋で、ストップ&ゴーで…これはとにかく観てみなければわからないものだと思う。今日臨席できて良かった！

休憩を挟んでパピエ。大石氏と橋本氏が机に向かい合って座り、目の前に並べられたマウスピースを、手に取っては吹き、机上に打ちつける。タイトルの「急ぎ仕事」のとおり、せわしなく、目まぐるしく、リズムを刻みながら、時に2つ同時吹きなども交え、さらにはコミカルな幕間も交え、曲が進む。クラッピングミュージックの進化系かな？などと言ってしまっても良いかもしれないが、なぜかくラッピングミュージックにはない面白さをじわじわと感じる。実に面白い。

ライヒは…実はこの曲が演奏されることを知らずに伺ったのだが、大好きな曲であるので思いがけず聴くことができて嬉しかった。ライヴで聴くことのできる機会など、そうそうあるものではない。大石氏の演奏の素晴らしさはもちろんのこと、4本のスピーカーから各パートのバランスを絶妙に変えて、立体的な音響を作り出していたのは有馬氏の手腕だろうか。いずれにせよ、この響きは万人に受け入れられるもののはずで、特にライヴで演奏された時の印象は強烈だ。いろいろなところでもっと演奏されてほしい。

杉山作品は、テューバソロ。タイトル通りの短くシンプルなファンファーレ風のフレーズが演奏されたと思ったら、曲が進むにつれて徐々にそのフレーズがぶっ壊れていく。特殊奏法（テューバでこんなことできるのか！という驚きが多発）をふんだんに交え、安定した演奏で…いや、あまりに安定しすぎて、曲の難しさすらわからないほどだったが(^^;見事に吹ききった！凄すぎてよくわからなくなることって時々あるのだが、そんな感覚。

最後の川上作品は、なんと委嘱初演。バリトンサクソフォン、テューバ、エレクトロニクス。川上氏の作品には動物の名前が付くことが多いというが「羅鱶」もご多分に漏れずそのシリーズに連なる。羅鱶は"らぶか"と読むが、こんな生物だそうだ。…あまりかわいくないな。冗談はさておき、バリトンサクソフォンとテューバの、連続的な、畳み込むような変調の応酬は、聴いていてとてもエキサイティングなものだった。編成的にも設備的にもかなりこれはぜひ再演を期待したいところだ。同じバリトンサクソフォンとテューバ、という編成でも、マデルナ作品よりこちらのほうがより楽器としての特性が近いところにあるように聴こえたのは、なぜだろう。エレクトロニクスの有無だけが理由ではないと思うのだが。

いやー、楽しかった。ピアノの黒田亜樹氏やパーカッションの神田佳子氏が参加した時の演奏もそのうち聴いてみたいなあ。

帰りに溝の口駅近くの「博多っ子」に寄り道して帰宅。ここはなかなかいいですね。

ピッテル氏からマルセル・ミュール氏へのインタビュー（後半メモ書き）

前回の記事の続き。

前回の記事同様、自分用の走り書き。誤字脱字はそのまま。内容のチェックもしていない。間違っている可能性もあるので、情報を引っぱり出す時はかならず元の動画を参照いただきたい。

通訳をしている女性はSandra Rhee（ミュールのかつての生徒とのこと）、ビデオを撮っているのはミュールの息子でフルート吹きのジャック・ミュールだそうだ。



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私達はスター歌手を知っているが、他の歌手も素晴らしい歌を歌う。なぜか？なぜなら、彼らは表現に対して確固たる規律を持っているからだ。でも、彼らはそのことに気づいていない。本能的にそうしているんだろう。全ての歌手は、本能のまま歌っている。ジャックには先生がついていたが、本人が素晴らしい音を持っていることを知らなかった。それと同じことだ。彼は自然体だったが、他の人にとってはそれは良いことだったが、本人にとっては良くないことだった。自然に才能を持つ人は幸せだが、それは他者にとって、なのかもしれない。私は、それを獲得しようとした。努力して努力して、そして一部を手に入れることができた時、私のように吹きたいという生徒を持つことができた。私はそのことを生徒に対して説明しなければならなかった。つまり、私はなぜ生徒がこの演奏に魅力を感じるかを、説明し、分析しなければならなかった。なぜ私がそれを好きなのか？なぜならば、それをしなければ私はできなかったから。しかし、なぜ彼ら自身がそれを好きなのかを知らなければならない。同様に、他の多くの人がなぜそれを好きなのかを知らなければならない。
これが、パリでの流行の始まりだった。いずれ、他の地でも。私は、自分のたくさんの生徒に何年にもわたってそのことを教えた。私は、徹底的に音色について勉強した。私が美しく好みの声楽の声を聴いた時、一般的に、私ではなく他の人にとってもそれは好まれるものであった。皆がその声を楽しむのだ。2つの声があったとすれば、こちらのほうが好みである、というものが存在する。しかしそれは、私だけではなく他の人も同様に、その声を楽しむのだ。声楽には、完全性を持つ瞬間がある。弦楽器のように。どちらも美しい。ヴァイオリンや、チェロには美しい音というものがある。私は常に、Pierre Fournierを規範とした。何度も一緒に仕事をしたことを覚えているよ。私達はお互いのことをよく知っていた。彼は、ひとつの例のようなものだった。私は、彼のように上手くやろうとした。私はその後、分析した。こういうわけで、私の父が私に教えてくれたことと、その後に起こったことは全く違うことだったんだ。しかし、根本にあるものは同じだ。根本と、音楽の贈り物、父は音楽を深く愛していた。私は上手く演奏できた。父は音楽を感じていた。どちらも、大きな学校で学んだわけではないのだが。父は本能的にそういったものを持っていた。だから、父が私の先生なんだ。その後は、私が聴いたものすべてが私の先生だった。
そしてヴァイオリンについても、父は素晴らしいヴァイオリンの先生だった。特に、素晴らしいソノリテを持っていた、という点において。父はすばらしい芸術家だった。素晴らしいソノリテと、解釈を、いくつかの重要な視野とともに持っていた。それは事実であり、他の音楽家…素晴らしいソリストを聴いた時に、私が楽しむことであった。素晴らしいソノリテに、耳がその音に没入し、雰囲気に飲み込まれる。驚異的なことだ。そういったことにインスピレーションを受けた。
私はそれをコピーした。そういった意味で私は日本人が好きだったな。日本人は全てをコピーするからね。ものをコピーするのは良いことだ。日本人はコピーして、それを上手くやるからね。そう、全てを。それは本当だ。かれらはたやすく全てをコピーする。彼らはとても良い耳を持っているんだ。まったく同じ複製を作ってしまう。また彼らはそういったことが好きなんだ。凄いことだ。
私は偉大な音楽家をきいたときそういった精神状態にあって、それが私を成功へと導いた。他の皆も成功した。
私が言えるのは、先生というものは、私が20歳の時パリに住んでおり、その環境の端々がすべて先生だった。私が聴いたものすべてが先生だ。実際、私の父はこう教えてくれた。彼は私にパリに行って音楽環境に触れてほしいと考えていたが、こう言った「お前はパリに行かなければならない。そこでいろんな芸術家を聴くことが、真の教育だ」と。それは本当だった。もちろん、私は素晴らしいヴァイオリンの先生についていたが、私は自分が勉強したいほどヴァイオリンを学べなかった。なぜなら時間がなかったから。
私は生涯にたくさんのヴァイオリンやチェロを聴いたが「選択」をした。どれも美しいソノリテをもっていが…。それは、私に確信を与えた。声楽、弦楽器、器楽家…。管楽器では、何人かは素晴らしいソノリテを持っていた。私はそれらに影響を受けた。全てが私の先生だ。私が聴くことができたもの、全てだ。
私が選択を行ったあと、私は生徒を持ちたくなった。私は彼らの前でたくさん演奏し、私自身が演奏しているのを観察しなければならなかった。生徒に何かを指導する時は、私自身がそれをできなければならない。
私達は音楽の一般的なことについて話しているが、良い耳を持たなければならない。耳はどんな間違いも犯さない。耳が間違いを犯さないというのは、純粋に幸福なことだ。私のことを考えても、それほど多くの間違いをしたとは考えていない。多くの機会があったから。しかし、そういったチャンスがなければ、事前に悪くなることはないが、分析することも難しいだろうし、何が起こっているかを分析することもできないだろう。「なんと素晴らしい歌手、なんと素晴らしい歌声だろう、しかしなぜ？」
音楽院では、1クラスあたり5～6人の生徒がいた。全員が出席して、ひとりが良い演奏をすると、全員に良いソノリテが生まれる。だから、誰かが良い演奏をしているのを聴けば、他の皆はそれを聴いている。その時私は、聴いている生徒に向かって、それについて何を思うかを尋ねた。彼らは「素晴らしいと思いました」と言った。私も同感だった。しかし、なぜ敢えて私は聴いている生徒にそのことを尋ねたのか？「なぜ良いと思ったか説明して下さい」と尋ねるのだ。なぜ良いかを知らなければならない。それは分析の力であり、それは私達が間違っていないことと示してくれるのだ。

とある曲目解説書き進行中

タイトル通り。一日引き篭って、調べ物をしながら曲目解説書き。来年頭？頃に発売予定の某復刻盤のCDに掲載するための文章。今まではよく知っているつもりのものでも、やはりきちんと調べると新しい発見があり、面白かった。なんとかほぼ9割方書き終えて、校正を経て完成予定。何の復刻盤か、については後日こちらでもお知らせする予定。

ピッテル氏からマルセル・ミュール氏へのインタビュー（前半メモ書き）

アメリカのサクソフォン奏者、ハーヴェイ・ピッテル Harvey Pittel氏が、1993年5月（もしかしたら1994年かもしれない）にマルセル・ミュール氏の住まいである南仏のサナリーを訪れて、インタビューしている映像をYouTubeで見つけた。

ミュール氏へのインタビューというと、ヴァンドレン制作のビデオが有名だが、このビデオはもっとおしゃべり風というか、リラックスした雰囲気の中で話されているのが面白い。「ブランデンブルク協奏曲」に初めてサクソフォンが参加した時のエピソードは初出だろう。てっきりカザルスとともにプラド音楽祭で演奏したときが最初だと思っていたのだが、まさかミュンシュとの共演が初だったとは！知らなかった。

また、ミュール氏の奥様であるポレット氏がしゃべっている様子を観られるというのが、個人的に感慨深い。

以下、自分用の走り書き。誤字脱字はそのまま。間違っている可能性もあるので、情報を引っぱり出す時はかならず元の動画を参照いただきたい。



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8歳のときにサクソフォンを初めて、9歳の時にヴァイオリンを始め、3~4年続けた。教師になるべく勉強を始めた。音楽教師ではない。そのあと、軍楽隊に2年いて、その後ギャルドに入隊した。それからオーケストラの中で少しずつ演奏し始めた。協奏曲・カルテット。カルテットは1929年に結成している。カルテットはフランス、ヨーロッパ、最後はカナダでも演奏した。カルテットでアメリカに行ったことはない。音楽院の仕事が忙しかった。

女性：ミュールはアドルフ・サックスの息子から受け取った美しい手紙を持っているんです。そこには、ミュールへの感謝の気持ちが綴られているんですよ（中略）。

そのアドルフ・サックスの息子が亡くなった時、私は教会で演奏した。1945年に亡くなった。彼はサクソフォンを演奏しなかった。オペラ劇場のファンファーレ音楽隊の指揮者だった。ステージ・ミュージックの指揮者だ。

P：私が初めてクラシックサクソフォンを聴いたのは、あなたのサクソフォンカルテットだったんです。16歳の頃。イベールが2番目。そうやってマルセル・ミュールが好きになった。

女性：私は8歳の時にサクソフォンを聴いた。恋に落ちた。

彼女はとても上手くサクソフォンを吹くんだ。

女性：もう吹いていないけど（笑）

ボストン・シンフォニーのソロクラリネット奏者。その後パリに来て、国立オケのソロクラリネット奏者となった。毎回ではないけれど、楽器を構えながらなぜか息を吸うんだ。そのうち飲み込むんじゃないかと思った（笑）。

P：私の先生はJoe Allardだが、亡くなりました

前のシカゴのコングレスの時に会いました。いや、ジュネーブだったかも。

女性：ヘムケは、あなた（ミュール）のディスクを遅く再生して、どういうふうに音楽が作られているか詳細に分析しようとしていた。ソノリテの科学。彼の生徒みんないっしょにやっていて、彼はビデオカセットレコーダーを持っていたからそんなことができたのだけど、あなた（ミュール）が何をやっているか、あなたの秘密を理解するためにそんなことまでしていた（笑）。面白いでしょう。

P：私はそうやってマルセル・ミュールと勉強しました。

女性：でも、そうやっても、同じには演奏できなかった。

（中略）

女性：ヘムケは私に、多くの人々はいまだに、あなたの録音を聞いている人は多いと教えてくれた。少なくともアメリカではそう！

ポレット：彼はアメリカに行ったの。

なぜかというと、シャルル・ミュンシュと一緒に演奏するため。Trocadero…今はなんて言ったかな、Palais de Chaillotか。ある日、そこで開かれた演奏会で、「ブランデンブルク協奏曲」のトランペットを演奏できる人がいなかった。コンサートの直前に、トランペット奏者がいないなんてありえないけど、実際そうだった！その時、指揮者のミュンシュに言われて「ブランデンブルク協奏曲」をソプラノサクソフォンで初めて吹いた。チェロのトゥルトゥリエがなぜかそのことを知っていてね、彼がスペインのプラドで音楽祭に参加した時、やっぱりトランペット奏者がいなかったんだ。パブロ・カザルスがバッハ「ブランデンブルク協奏曲」を振った時（おそらく速すぎて）トランペット奏者が「できません」と言っていなくなってしまったんだろうね。
トゥルトゥリエがカザルスに、ミュールを呼びましょうと進言したらしい。それほど自信はなかったらしいけど。私がプラドに到着して、最初のリハーサルで、ブランデンブルク協奏曲を演奏して、第1楽章の終わりで…ずいぶん速かったが…指揮を止めずに、「ブラボー！ムシュー！」と叫んだ（笑）。カザルスは幸福だっただろうが、演奏はやっぱり少し速かったな（笑）。

P：つまり、カザルスとの演奏が最初ではなく、ミュンシュとの演奏が最初だったと。なぜミュンシュは「ブランデンブルク協奏曲」の演奏にあなたを呼んだのでしょう？

（Palais de Chaillotの演奏会の時に）トランペット奏者がいなかったから。それを演奏できるトランペット奏者が、そこにいなかったのだと思う。そのいなかったトランペット奏者が誰だかは私は知らないが、とにかくいなかったのだ。

P：サクソフォンの先生はいたのですか？それとも自分でサクソフォンを学んだのですか？

いたよ。私の父だ。実際、私の人生の中で受け入れられなかったものというのは多いが、そのサクソフォンを教えられたことについてはまったくそうは思わなかった。実際、父は全てを私に教えてくれた。でも、どうやって演奏するかではない。父に続いて演奏したわけではない。イメージで、父は全てのことを私に教えてくれたのだ。父は素晴らしいサクソフォン奏者だった。音楽を奏でていた。パリで多くの音楽家とともに暮らしたが、父はそれを職とはしなかった。なぜなら、それで生活していくのは大変だったから。父は音楽を愛し、音楽のためだけに演奏した。彼はパリの軍楽隊で演奏していたとき、オペラや演奏会に行くための安いチケットしか買うことができなった。軍楽隊以外の音楽家にもたくさん会って、そうやって音楽への情熱を増していった。私達はそういう人のことを「Music Lover」とも呼びますね。父はプロフェッショナルとして評価されており、ギャルドにも簡単に入れただろう。そうしていたら、凄いキャリアを積んでいただろうね。私は、学んだことによって自分の演奏を変えた。修正して、変えて…そうやって、新しい表現方法を会得していった。より、表情豊かに。これがあなたも録音で聴いた表現だ。私は、表現には2つの種類があると思う。あなた自身の中にある表現：聴き手としてではなく、演奏家として感じるもの。もうひとつは、外部とコミュニケーションして得るもの。声にもいえるし、他のもの…ヴァイオリン、チェロ、他の楽器すべて。弦楽器の表情を作り出すものとは何か？それは音の波。それを私達はヴィブラート、と長いこと呼んでいる。ある人は、ヴィブラートは貧しい人々のためだと言う。だから、誰も不確かな音程に気付かない。ヴィブラートはそういった意味でパーフェクトだ。その昔、弦楽器はヴィブラートをかけていなかった。弦楽器でヴィブラートが使われるようになったのは、2世紀ほど前のことだ。ヴィブラートが全てを変えた。弦楽器は、歌い手、良い歌い手、女性の歌い手、良い女性の歌い手のような表現を行うことができる。時折、私達は誰も聴いたことのないような美しい女声の歌声を聴く。

（…続く）

Terry Riley "Olson III"

ミニマルミュージック分野の偉大な作曲家のひとり、テリー・ライリー Terry Riley氏がサクソフォンのために多くの作品を書いていることは良く知られているが、その中で最も特徴的な作品は「Olson III」だろう。1967年にスウェーデン・ストックホルムのNacka Music Schoolの音楽教育プログラムにより、ライリー氏が作曲した作品。

超巨大な合唱…そのミュージックスクールの生徒たちだろう…と、ライリー氏自身が演奏するソプラノサクソフォンによる録音が残っている：「Olson III（organ of corti 3）」。冒頭から「to begin to think about how we are to be」を断片的に繰り返しながら、休みなく50分間にわたって歌い続ける合唱団。絶妙なソプラノサクソフォンの即興。トランス状態が続き、最終部では興奮が頂点に達したのだろう、合唱団の絶叫が聴かれて幕となる。初めて聴いた時は戦慄すら覚えたほど。これ→Olson 3

ライヴを聴いてみたいけれど、いろんな意味で無理だろうなあ(^^;

Fabrice Moretti plays Ibert with D-SAX

フランスでのライブの模様だそうだ。ソリスト、バックともども、強烈な演奏！

第5回交流会、準備中

第5回サクソフォン交流会、準備進行中。アドヴァイザーの先生にもお願いをして、日程・会場もほぼ100%確定し（あとは本予約を残すのみ）、次はタイミングを見計らって情報公開するだけである。実は目論んでいたホールが取られてしまい、ここ一週間ほどはかなりバタバタしていたのだが、なんとかなって良かった（ホールの空きは生モノ！）。会場や日程の件は、十分前から準備を進めなければならないと改めて肝に銘じた次第…。

ウェブとFacebookページで情報公開を進めていく予定。ご興味ある方はチェックのほどを。